Sinners e Cowboy Carter: As Duas Histórias Negras Mais Importantes dos Últimos 25 Anos
Isso não é só arte. É sangue, memória e herança.
As duas histórias mais importantes dos últimos 25 anos não nasceram em tapetes vermelhos nem nas paradas de streaming. Elas nasceram nas varandas da frente, nas estradas de terra, e nos palcos onde nunca quiseram nos ver.
Quando escrevi isso pela primeira vez, eu ainda não sabia —
Mas eu estava seguindo um rastro de fantasmas.
Não o tipo que arrasta correntes pela noite,
mas o tipo que vibra sob a pele —
transmitido através de acordes, discos rachados e das varandas que a história tentou demolir.
“Cowboy Carter” não foi apenas um álbum.
Foi uma memória.
Uma herança sonora embrulhada em sotaque, tremor e alma.
Então chegou Sinners — e o fantasma finalmente ganhou um rosto.
Dois gêmeos. Um saloon. Vampiros na noite do Delta.
Mas o que realmente assombra tanto Cowboy Carter quanto Sinners é a mesma coisa:
O coração enterrado da história negra americana —
a parte que nunca te ensinam, mas que a música nunca esquece.
Sinners é a chama gêmea que nos permite ver o que Cowboy Carter nos fez sentir.
Há uma cena em que o cantor principal de Blues, “Preacher Boy”, sobe ao palco dentro de um celeiro.
Enquanto ele toca, os espíritos dos ancestrais e seus descendentes se erguem —
não convocados por feitiços, mas pela canção.
Assistindo aquele momento acontecer, eu não apenas lembrei das palavras que escrevi há um ano…
Eu senti a história compartilhada entre Jordan, Coogler, Beyoncé — e eu — se tornar um farol vivo.
Uma memória passada de mão em mão, de voz em voz, de nota em nota.
Então venha comigo.
Vamos percorrer as estradas esquecidas da América, tocar os discos que tentaram silenciar, e refazer os passos dos nossos ancestrais coletivos.
A história ainda não acabou.
A Era de Ouro da Música
Para entender de verdade a origem da música pop americana, é preciso começar — não no início — mas no meio.
Entre 1975 e 1995, aconteceu um fenômeno único: gêneros musicais começaram a se misturar, a se cruzar, criando sons distintos.
Esse cruzamento agressivo de “linhas” atingiu seu auge nos anos 90 e moldou os padrões musicais contemporâneos que amamos hoje.
Sem que muitos percebessem, a verdadeira “Era de Ouro” da música estava nascendo.
Enquanto os anos 90 misturavam, amadureciam e criavam novos estilos, o blend específico em que vamos focar aqui é: Rock, Country e Blues.
A década de 1970
A partir de meados dos anos 70, começamos com artistas como:
Fleetwood Mac e Stevie Nicks (um dos meus artistas favoritos de TODOS os tempos) “Landslide (75)” e “ Dreams (77)”
Lisa Ronstadt - “Blue Bayou (76)”
The Eagles - “Hotel California (76)” e “One of Those Nights (75)” (favorito pessoal).
Esses artistas misturaram Country, Rock e Blues, em uma mistura única de pop que não havia sido “ mainstreamed ” antes.
A década de 1980
Continuando na década de 80, a evolução deu um passo adiante com “megahits” comerciais como:
Alannah Myles - “Black Velvet (89)”
Os B-52s - "Love Shack (89)" .
Chris Isaak - “Wicked Games(89)”
Warrant - “ Heaven (89)”
Década de 1990
Entrando na década de 1990, temos estes padrões da “Idade de Ouro”:
Melissa Etheridge - “I’m The Only One (92)”
Aerosmith - “Cryin’ (93)”
Paula Cole - “Where Have All The Cowboys Gone? (95)”
Jennifer Page - “Crush (97)”
Tracy Chapman - “Give Me One Reason” (95)
ESTA é a música em que cresci. ESTA é a música da minha adolescência. Mas, se eu sei uma coisa com certeza; é que a musica “mainstream” (branco, americano, popular) SEMPRE tem origem negra.
Então, por mais que eu adore essas músicas e artistas, fiquei pensando:
“De onde todos esses brancos arrancaram essa merda ??”
E por que 'BODYGUARD' parece como todos eles??”
Os Pais do Ragtime
Assim, Country, Rock, Jazz, R&B, Rap e Soul remontam a três estados: Missouri, Texas e Louisiana. Essas músicas têm raízes no estilo “RagTime” ; uma mistura de música clássica europeia, ritmos tradicionais africanos, percussão e instrumentação de banjo. RagTime é tão americano quanto Jim Crow.
Os homens que lançaram o Ragtime na paisagem sonora Estadunidense são conhecidos como
“Os Três Padrinhos” :
Scott Joplin (1868-1917) nasceu no Texas no ano de 1868. Scott mudou-se para o Missouri para seguir carreira na música. Em 1899, sua canção “Maple Leaf Rag (1899)” , colocou mesmo a música Ragtime no mapa!
James Scott (1885-1938) foi professor de música e aluno de Scott Joplin. O hit de Scott “Frog Legs Rag (1906) ” ficou em segundo vaga nas paradas, atrás de “Maple Leaf Rag” .
Joseph Lamb (1887-1960) foi um colega músico e fã de Joplin. Ele teve a oportunidade de tocar sua música “Sensation Rag (1918)” após um dos shows de Joplin. Durante esse tempo, as partituras eram a única forma de música disponível. Foi difícil ler e jogar. O estilo simples, mas bombástico, de Ragtime de Lamb adiantou a estender o estilo para aqueles que poderiam ser dissuadidos por sua complexidade.
Scott Joplin, James Scott e Joseph Lamb são conhecidos como os "Padrinhos da Música Ragtime" . E, na verdade, deveriam ser considerados os pais de TODA a música contemporânea estadunidense, até hoje.
Isso inclui Cowboy Carter .
Dallas, Delta e Chicago Blues
Antes de prosseguirmos, é literalmente impossível contar a história da música estadunidense sem discutir a cidade de Nova Orleans. Antes da Louisiana, a música Blues ainda tinha um som predominantemente “Ragtime”. A mistura única de culturas, povos e tradições foi indispensável para transformar o Ragtime em Blues “Delta” , ou contemporâneo.
Hart A. Wand (1887-1960)Dito isto, nossa história continua com um homem chamado Hart A. Wand. Filho da primeira geração de imigrantes alemães, Hart mudou-se de Oklahoma City para Nova Orleans, em 1920. Enquanto morava em NOLA , criou a canção “ Dallas Blues (1920)” . “Dallas Blues'' se tornou um sucesso por causa da sequência única de acordes de Blues de 12 compassos. Esta sequência se torna o padrão para todas as músicas de Blues que se seguem. Há rumores de que é uma das primeiras músicas de Blues já gravadas e a PRIMEIRA música de Blues a ser publicada.
Lonnie Johnson (1899-1970) O nativo de Nova Orleans, Lonnie Johnson, torna-se o próximo agente de mudanças em nossa história! Um gênio musical indiscutível, Johnson pegou “ Dallas Blues” (e outras canções antigas de Blues) e as tocou de uma forma que nenhum de seus colegas poderia igualar. Seu estilo revolucionário de guitarra pode ser ouvido ao lado de lendas como Duke Ellington, King Oliver, Eddie Lang, e Louis Armstrong! Depois de partir o sul para Chicago, (literalmente carregando o Blues no estojo da guitarra) ele se torna o pai do sub-estilo chamado “Chicago Blues”. (que discutiremos mais tarde).
A música blues é a parte fundamental do sucesso da música country! Country and Blues, como o conhecemos hoje, NÃO existiria se não fosse por esses dois indivíduos. E nem 'BODYGAURD'.
O Blues “Cigano” Manouche
Django Reinhardt (1910-1953) foi um guitarrista romani-francês, radicado em Paris, França. Ele foi gravemente queimado no incêndio de uma caravana em 1928; perdendo o uso do quarto e quinto dedos. No entanto, ele cria uma técnica que lhe permite brincar com sua deficiência. A “Técnica Reinhardt” impulsionou, ou amplificou, os sons do violão, sem eletricidade!
Reinhardt descobre o “remix” de “Dallas Blues” de Louis Armstrong and His Orchestra, numa feira parisiense. Ele fica tão inspirado pela música que começa a tocar sua própria versão! O hit “Minor Swing (1937)” lidera a interpretação europeia do Jazz chamada “ Manouche” ou “Gypsy Blues” .
Vale ressaltar que: a palavra “Cigano”, na época, costumava ser usada como um insulto étnico/racial. É possível, no entanto, que a reclamação do termo por Reinhardt, juntamente com a popularidade de sua música, tenha adiantado a mudança de seu significado.
Hmmm…me pergunto onde mais isso aconteceu?
Eletrizando o Blues
Eddie Durham e Charlie Christian
O sucesso de “Minor Swing” transporta-o através do atlantico e descendo o rio Delta da paisagem estadunidense. Aterrissando nos ouvidos de:
Eddie Durham (1906-87) – Pai da guitarra amplificada (elétrica);
Charlie Christian (1916-1942) Aluno estrela e “Padrinho” da guitarra elétrica
Maravilhado com a “Técnica Reinhardt”, Christian aprendeu, melhorou e dominou usando a invenção de Durham: a guitarra amplificada. Mais tarde, Christian se muda para Chicago, onde aperfeiçoa o estilo “Chicago Blues” que Lonnie Johnson criou.
O instrumento criado por Eddie Durham, combinado com os estilos musicais de Django Reinhardt e Charlie Christian, dão a músicas como 'BODYGUARD' seu único toque de verão dos anos 1990!
Charlie, Muddy e Chess em Chicago
A dinastia Chess Records e seu principal artista, Muddy Waters (1913-1983), são a razão pela qual a cena musical negra e underground do “ Chicago Blues” entra no “mainstream” americano (branco).
Canções de sucesso de Muddy:
“Rollin Stone (50)” – sim, ELES, nomearam-se após esta musica—
“Hoochie Coochie Man (54')” (favorito pessoal)
Crie uma vaga para artistas como:
T Bone Walker (1910-1975) - “Call it Stormy Monday (54')”
Chuck Berry (1926-1917) - “Maybelline (55')”
Relâmpago Slim (1913-1974) - “Hoodoo Blues (60')”
Lightning Hopkins (1912-1982) - “ Mojo Hand (62') ”
BB King (1925-2015) - “The Thrill is Gone”
Os estilos dos Country, Pop, R&B, Soul, Rap e Rock & Roll estão TODOS (muitas vezes simultaneamente ) presentes em “ Cowboy Carter”. E devemos isso a Charlie Christian, Muddy Waters, Chess Records e Chicago, Illinois.
Cowboys ou Cowmen?
A palavra “Cowboy” deriva sua origem de:
A palavra espanhola “Vaquero” (latim; “vaca”) – referindo-se a indivíduos que administravam gado, enquanto andavam a cavalo.
Não deve ser confundido com a palavra “Caballeros” – referindo-se à elite, aos ricos, aos proprietários de terras, aos “senhores”.
Isso significa que os Vaqueros eram literalmente mais pobres, tem pele escura e trabalhavam muito mais arduamente do que Caballeros. Então, falando historicamente, todos os COWBOYS eram, originalmente, PRETOS OU MARROM. A ironia de os americanos brancos se apropriarem do termo menor é… interessante, para dizer o mínimo.
No entanto, para ser honesto, não posso culpá-los. Um dos, senão O (discutivelmente), maiores artistas do século passado chamou seu álbum de “Cowboy” e não de “Cowman” Carter.
“Cowboy” parece legal pra carahlo.
E, se NÓS ESTAMOS — e por “Nós” , quero dizer Estadunidenses — estamos sendo honestos; isso é por causa dos negros.
A linha que conecta Sinners e Cowboy Carter não é apenas música.
É herança.
É sangue.
É memória.
É o pulso de um povo que se recusou a ser apagado.
Em Sinners, mesmo depois que os irmãos enfrentam uma horda de vampiros — não há descanso.
Porque os verdadeiros monstros ainda vestem capuzes.
E eles não vêm do folclore, mas das páginas da nossa própria história.
A Klan cavalga, não como fantasia, mas como fato — um lembrete de que, para os negros americanos, a sobrevivência sempre foi uma batalha travada em todas as frentes.
Vistas e invisíveis. Sobrenaturais e feitas pelo sistema.
E ainda assim — nós ainda estamos aqui.
Através de cada corrente e de cada refrão.
Através de cada cruz em chamas e de cada contrato quebrado.
Ataque após ataque, horda após horda — carregamos nosso som, nossa alma e nosso espírito adiante.
Cowboy Carter e Sinners não são nostalgia.
São ressurreição.
São canções de resistência, escritas em carne e espírito.
São a prova de que a linhagem nunca se quebrou — apenas se adaptou, se reinventou, sobreviveu.
E agora é a nossa vez.
De cantar as músicas que tentaram silenciar.
De contar as histórias que tentaram enterrar.
De cavalgar — alto, orgulhoso e sem pedir desculpas — por aqueles que construíram este país com suas mãos, suas vozes e seus sonhos.
Os ancestrais ainda estão nos observando.
E ainda estão cantando através de nós.
Então não apenas escute.
Responda.
